Primera vez que en este especial dedicado a las fascinantes criaturas conocidas como vampiros tratamos una comedia. Por supuesto ‘El baile de los vampiros’ (‘Dance of the Vampires’, 1967, Roman Polanski) no es la primera película que se toma a coña el mundo vampírico, hay algunos ejemplos sobre todo en el cine de serie B de los años 40 y 50. Pero Polanski se adentró de lleno y en clave de comedia ?con pequeños puntos trágicos? en el universo de los vampiros, cuando estaba en una de las cimas de su carrera, aprovechando además que el tema estaba muy de moda gracias a la mítica productora británica Hammer Film.
De hecho, ‘El baile de los vampiros’ ?cuyo título original ha cambiado en USA al de ‘The Fearless Vampire Killers’? revisita en su mayor parte uno de los títulos menos considerados injustamente de la Hammer, ‘El beso del vampiro’ (‘Kiss of the Vampire’, 1964, Don Sharp). De esos films recoge absolutamente todo, desde la apariencia gótica de sus imágenes, hasta el uso del color, pasando por un esquema narrativo idéntico y acentuando, cómo no, los elementos sexuales y sangrientos del relato, que en esta ocasión Polanski utiliza para provocar la carcajada. Lo consigue a veces.
Y es ahí donde discrepo con mi compañero Adrián Massanet, que en su estudio del cineasta Roman Polanski asevera lo sublime de esta cinta. No pongo en duda la grandeza que el director de origen francés ha alcanzado en su filmografía con títulos como ‘El quimérico inquilino’ (‘Le locataire’, 1976) ?para el que suscribe su mejor trabajo hasta la fecha?, ‘Frenético’ (‘Frantic’, 1988) o ‘Lunas de hiel’ (‘Bitter Moon’, 1991), por citar tres ejemplos variados, pero también creo que es un realizador con una trayectoria muy irregular. Capaz de lo peor y lo mejor, ‘El baile de los vampiros’ expone precisamente las virtudes y defectos de un cineasta que se ha hecho un hueco en la historia del cine gracias a productos, en su mayor parte, no precisamente fáciles.
El comienzo de ‘El baile de los vampiros’ deja claras las intenciones del cineasta, estamos ante un cachondeo puro y duro sobre un tema fantástico que curiosamente en muchos films ha estado al borde del ridículo ?a veces cierta cutrez en los efectos visuales, o en una alocada trama, provocan esa triste sensación?. No obstante el film posee también elementos terroríficos que no tienen nada que envidiar al resto del cine de terror coetáneo. Instantes como el del Conde Krolock ?Ferdy Maine excelentemente caracterizado? entrando por la ventana del techo para llevarse a la espectacular Sarah ?Sharon Tate sustituyendo a la inicialmente prevista Jill St. John? o esos instantes fantasmagóricos en los que se escuchan unos hipnóticos cantos, demuestran la gran capacidad de Polanski para crear una adecuada atmósfera, y entran por derecho propio en los anales del cine vampírico.
En cuanto a los instantes cómicos encuentro que instantes hilarantes se dan la mano con otros de un humor más grueso o zafio, un terreno pantanoso para Polanski, quien no controla todos los resortes de la comedia. Ciertamente inspirado me resulta la composición del que sería una especie de versión cómica de Van Helsing. El profesor Ambrosius ?extraordinario Jack MacGowran en la mejor interpretación de la película? resulta encantador por despistado, y el hecho de que gracias a él el vampirismo se extiende por todo el mundo es uno de los detalles más acertados de la historia. No ocurre lo mismo con el personaje al que da vida el propio Polanski y que no empata con nadie, amén de una historia de amor muy brusca.
En su primera mitad, antes de que los dos personajes centrales se presenten en el castillo de Krolock, Polanski no domina del todo el ritmo de la historia. La estancia en la posada se alarga en demasía y se suceden situaciones de poco interés, aunque el personaje de Shagal ?divertidísimo Alfie Bass? emerge en ese instante como el más provechoso, alcanzando más tarde cotas inimaginables en el tratamiento que Polanski le da cuando aquél ya ha sido vampirizado. Afortunadamente las secuencias en el castillo contienen lo mejor del film, y el director logra instantes de cierta tensión, como el intento con acabar con los vampiros mientras duermen en el interior de sus ataúdes en su cripta particular ?atención a las andanzas de Shagal en ese tramo?, o el mítico baile que da título al film, y que rememora en clave de comedia el realizado por Don Sharp en el film arriba mencionado.
Irregular, pero estimable trabajo de Polanski, fracaso total en Estados Unidos ?debido a ciertos problemas personales con el productor que recortó la película en la sala de montaje?, y éxito en Europa, continente en el que Polanski es más admirado. Al año siguiente volvería al género del terror desde una óptica mucho más seria y con resultados muy superiores.
Anécdota sobre el rodaje
Para la famosa secuencia del espejo en el que sólo se ven reflejados los tres protagonistas, mientras el resto de vampiros se quedan boquiabiertos, Polanski hizo construir una habitación exactamente igual a la que estaban, pero a la inversa, de forma que al separarlas por una puerta ?en la película, el espejo, que simplemente no existe? dé la sensación de que es la misma estancia reflejada. Los actores son los que están de frente a la cámara, mientras que unos figurantes son los que bailan hacia el inexistente espejo. Hoy se haría de forma digital y el encanto se iría a tomar viento fresco.
A pesar de los estrenos que llegaban la semana pasada y los que se avecinan, no se producen cambios en nuestro Top. Sigue tal cual y no parece que las novedades vayan a variarlo mucho. Lo que viene a decir que los que están se afianzan desde hace semanas y se convierten en los títulos destacados de la temporada. Necesitamos nuevos estrenos potentes que den el relevo. A ver si van llegando. Por tanto, el Top queda exactamente igual:
Ahora bien, vosotros, los usuarios de Blogdecine sí que han estado activos, quizás precisamente por la falta de títulos nuevos. Lo que produce la entrada de algunos que no parecían llegar y el resto cambian de puestos considerablemente. Aunque los dos primeros siguen reinando con comodidad, como llevan semanas. Los cambios más llamativos son: Woody Allen remonta, Joe Dante gusta y entra con fuerza, Stallone sube dos puestos pero baja la puntuación media y la desaparición del Top de ‘Todo sobre mi desmadre’. Eso, la tendencia generalizada ha sido de bajar puntuación y eso ha ajustado la clasificación. Curioso. Por tanto, así queda el Top de usuarios de esta semana:
Te he estado buscando por todo el mundo. Vas a ser una fuerza del bien y un hechicero muy importante. Pero por ahora, eres mi aprendiz.
(Balthazar Blake)
Imagina que tienes unos veinte años. Que apenas tienes amigos, nadie te hace caso y tu mayor afición es intentar imitar a Nikola Tesla. Y entonces un día aparece un tipo muy raro (Nicolas Cage con un sombrero enorme, no creo que haga falta decir más) que te dice que eres la reencarnación de Merlín, que te va a instruir para que puedas realizar hechizos, magia de verdad. Pasada la sorpresa, y una vez que te ha demostrado que es cierto… sería genial, ¿cierto? Es decir, la cosa tiene su responsabilidad y tal, pero vas a empezar una nueva vida, y serás alguien especial, ¡un importante hechicero! Sobre el papel, imagino que estaréis de acuerdo conmigo en que el planteamiento expuesto debería dar como resultado una divertida aventura fantástica llena de emoción y sorpresas.
Pero no. Desafortunadamente, la película que ha salido no emociona en ningún momento, no interesa, se hace muy pesada, y pretende sorprender con escenas que ya hemos visto en numerosas ocasiones. En nuestra cartelera desde el pasado viernes, ‘El aprendiz de brujo’ (‘The Sorcerer´s Apprentice’) es el segundo fiasco del dúo Jerry Bruckheimer y Walt Disney Pictures, responsables también de la reciente adaptación del videojuego ‘Prince of Persia’ (estrenada en mayo). Las dos superproducciones están cortadas por el mismo patrón y tienen los mismos errores, son productos sin alma, fabricados pensando sólo en la taquilla; las tramas avanzan porque sí, los personajes sueltan frases que hemos oído mil veces, no importa la coherencia ni la imaginación, pero debe haber muchos efectos visuales. En resumen, un aburrimiento de 150 millones de dólares.
Hasta cinco guionistas (Lawrence Konner, Mark Rosenthal, Matt Lopez, Doug Miro y Carlo Bernard) han sido empleados para escribir ‘El aprendiz de brujo’, cuyo origen se encuentra en un segmento (a su vez basado en un poema de Goethe) de uno de los grandes clásicos de Disney, ‘Fantasia’ (1940); es ése en el que Mickey Mouse decide realizar magia cuando aún no es capaz de controlarla, provocando un lío monumental (hay una escena muy similar en el film que nos ocupa). Al parecer, la idea de extender el corto a un largometraje fue de Nicolas Cage, que encarna a Balthazar Blake, un poderoso hechicero que debe proteger a la humanidad y encontrar a un muchacho que pueda ser su aprendiz.
El excéntrico y divertido personaje de Cage es de lo poco que merece ser rescatado de ‘El aprendiz de brujo’, junto al siempre competente Alfred Molina en la piel del malvado Maxim Horvath, y la breve presencia de Monica Bellucci, dando vida a un personaje muy desaprovechado. En el prólogo de la película, tan atropellado que no tiene ningún sentido, en el que se despacha rápidamente una información que volverá a repetirse más adelante, se nos cuenta que Merlín tuvo tres aprendices, Balthazar (Cage), que vemos que es el más fuerte, Verónica (Bellucci) y Maxim (Molina), el clásico traidor que decide convertirse en el siervo de Morgana (Alice Maud Krige), la gran amenaza de la historia. A través de una serie de encantamientos, Morgana es encerrada junto a Verónica, Maxim y otros brujos peligrosos en una muñeca rusa.
Primero la chica, luego el mundo
La cuestión principal es que Merlín le encargó una misión a Balthazar: encontrar a un chico de gran potencial, el único que puede llevar su anillo y derrotar a Morgana (porque en algún momento escapará de su prisión). Pasan los siglos, nos situamos en el Manhattan de hoy día, y Balthazar encuentra por fin al chaval, que lo primero que hace es dejar libre accidentalmente a Maxim. Mientras éste prepara su gran plan para recuperar a Morgana y desatar un infierno, Balthazar tiene que entrenar rápidamente a su nuevo discípulo, Dave Stutler (Jay Baruchel), un chico marginado que sólo parece interesado en impresionar a la atractiva Becky (Teresa Palmer), de la que está enamorado desde que estaba en el colegio.
De esta forma, pasamos de una guerra entre hechiceros, con un joven que debe acelerar su aprendizaje para convertirse en la única salvación del planeta, a una comedia romántica sobre un chico feo que debe enamorar a la chica guapa. Y aquí es donde se arruina todo, porque la magia queda a un lado, los peligros no importan, y todo se encamina a ver cómo Dave consigue liarse con Becky, algo que además no supone ninguna dificultad; sólo hay clichés, escenas tontorronas y bostezos. Para animar el desarrollo de la mecánica trama, se insertan varias secuencias de acción infladas de efectos especiales y retoques informáticos, pero están mal planificadas y filmadas con desgana por (los ayudantes de) Jon Turteltaub, por lo que ninguna llega a impactar.
Tampoco ayuda nada que Baruchel interprete (o lo que sea eso que hace) a un personaje tan desdibujado e incoherente, poco afortunado con los (constantes) chistes, que tiene en sus manos el destino del mundo y nunca lo parece, que tiene que aprender a marchas forzadas cómo detener a bruja más peligrosa jamás conocida, y sólo piensa en perseguir a la jovencita que le gusta. Por su parte, Teresa Palmer es un mero adorno, el premio de Dave, una chica muy guapa y muy vacía cuyo única característica personal es que le gusta mucho la música. Toby Kebell también se pasea por el set dando vida al aprendiz de Maxim, intentando aumentar la comicidad del conjunto, pero no le sale bien imitar a Rhys Ifans. En resumen, una apagada propuesta de fantasía que quizá entretenga a los más pequeños y al público menos exigente, otra oportunidad perdida de ver un verdadero espectáculo en este pobre 2010.
Hablábamos hace poco de un subgénero del cine de acción centrado en un padre que busca venganza; otro esquema muy habitual, del que podríamos sacar otra buena cantidad de títulos, es el que gira en torno a un personaje al que le encargan una misión aparentemente sencilla, proteger a alguien, pero luego descubre que le han engañado, que se trata de una trampa. Por ahí van los tiros (nunca mejor dicho) en ‘The Numbers Station’, un thriller al que se acaba de apuntar Malin Akerman (‘Watchmen’), que acompañará a Ethan Hawke al frente del reparto.
Escrita por F. Scott Frazier, la película se centra en un agente de la CIA que se encuentra en el peor momento de su vida después de realizar una serie de misiones secretas; mientras se recupera, le encargan un trabajo fácil, proteger a una joven durante un traslado rutinario por el desierto de Nevada. Por supuesto hay gato encerrado, y durante el trayecto serán atacados por todo tipo de profesionales (¿habrá un torero?) que tratarán de impedir que la pareja llegue con vida a su destino. El rodaje de ‘The Numbers Station’ comenzará a principios del año que viene, bajo la dirección del danés Kasper Barfoed.
PD: El último trabajo de Hawke aún sigue inédito en nuestro país. ‘Los amos de Brooklyn’ (‘Brooklyn Finest’), de Antoine Fuqua, se estrenó el pasado 5 de marzo en Estados Unidos. ¿La veremos en DVD?
Aseveraría que el estreno en España ?mañana, 10 de septiembre? de ‘The Runaways’ está motivado exclusivamente por la presencia de Dakota Fanning y de Kristen Stewart en su cartel. Fuera de eso, el film, escrito y dirigido por Floria Sigismondi, carece de reclamos pues, para empezar, me temo que escasearán, no ya los fans del grupo en nuestro país, sino simplemente las personas que conociesen su existencia. Para continuar, si bien una historia de rebeldía adolescente con algo de sexo, drogas y rock&roll podría tener tirón independientemente de lo célebres que sean los personajes reflejados, ‘The Runaways’ no engancha, es confusa en cuanto a sus propósitos y se pierde en un marasmo de escenas apáticas y poco pertinentes.
Personajes vacíos
El guión se basa en el libro autobiográfico de Cherie Currie, centrándose así en la época en la que la cantante estuvo en el grupo y dando prioridad a los sucesos que a ella le atañían. Dakota Fanning, que siempre ha interpretado a niñas con una madurez de adulta, en este caso encarna a una mujercita que tiene una actitud muy infantil. De la interpretación de la joven actriz no se puede decir nada negativo. Sin embargo, encontramos muchos problemas en el personaje: sería arduo determinar si es una tipa dura o una ñoña, pero no porque su retrato entrañe contradicciones, sino porque sufre una pobre definición.
La adolescente se comporta por inercia y dejándose llevar ante todas las situaciones. Esto puede ser un reflejo de su comportamiento real, pero ayudaría conocer, al menos, lo que Cherie deseaba o rechazaba en su fuero interno. Al carecer, no sólo de iniciativa, sino incluso de gustos u opiniones, convierte en difícil la empatía con lo que le acontece. Los problemas que le aquejan no se ven sino como caprichos de púber y arrebatos de niñata, pero no porque carezcan por sí mismos de fuerza, sino por la forma en la cual están introducidos en el relato, pues con los mismos sucesos, se podría haber alcanzado un poderoso conflicto.
Aunque tengamos el punto de vista de Currie, el protagonismo está repartido entre ella y Joan Jett, quizá porque ésta es productora de la película. Esto consigue disolver y repartir la cercanía entre una de ellas y el espectador que se habría producido si la predominancia hubiese sido única, así como la fuerza emocional que podrían haber tenido los hechos narrados.
En cuanto al resto de las componentes de las Runaways, resulta ridículo ver cómo se las ningunea. Quizá beneficiaría a Sigismondi aprender que no es necesario que un personaje sea principal para que participe en una película. Lita Ford, que ha tenido una carrera más reconocida que la de Currie, apenas disfruta de una o dos frases durante la película y siempre para apoyar una escena acerca de la cantante. Las otras dos son muebles que tocan instrumentos, pues no se les permite siquiera la única frase que se les concede a algunos figurantes.
En la batalla por el protagonismo, vence el personaje de Jett, aun a pesar de que Kristen Stewart aporte menos como actriz que Fanning. Esto se debe a que está retratado con mayor profundidad y a que en ella sí vemos a una persona decidida, que sabe lo que quiere y que lucha por conseguirlo. Personalmente, habría preferido acercarme a lo que cubre la película de una forma más resumida y pasar rápidamente a la etapa en solitario de la autora de ‘I love Rock ‘n’ Roll’ o ‘Bad Reputation’, cuya música, además, era superior a la del grupo ?aunque queda claro que el aspecto musical es el que menos importa a las creadoras?.
Unas jóvenes rebeldes a las que se les da todo hecho
Pero incluso si nos quedásemos con la historia de Joan Jett, el film carecería de gancho debido a su total ausencia de conflicto. A los personajes todo les resulta demasiado fácil, todo se lo dan hecho, todo les llueve del cielo. De esta forma, no se existe la tensión por ver si consiguen lo que desean, que es lo que normalmente nos engancha a una historia. Como suele ocurrir en las biopics, ‘The Runaways’ es un conjunto de momentos que se suceden uno tras otro, pero que no están hilados entre sí ni se dirigen a ningún fin.
El tomar un grupo de otra época podría haber servido a la cineasta para hacer un análisis del momento y, si bien esto está apuntado aquí y allá, la profundización en el tema es poca. En algún momento se atisba una crítica contra la explotación de estas jovencitas, ya que la música era sólo una excusa para ofrecer carne al público. Pero el mensaje no se termina de concretar y se pierde cuando, en realidad, la película peca de lo mismo, pues busca el escándalo y el impacto entre los más fácilmente impresionables, dejando la música en un último término.
Una lección para la juventud
Cuando se acerca al final, ‘The Runaways’ se convierte en una lección para las adolescentes sobre lo malas que son las drogas y, siguiendo ese propósito, termina cayendo en todos los esquemas que hemos visto tantas veces en films sobre artistas acabados y hundidos por sus adicciones. El que Cherie Currie, hoy en día, se dedique a rehabilitar chavalas con su mismo problema me permite aventurar ?sólo estoy especulando? cómo puede ser el libro: un manual de autoayuda para superar el enganche a las drogas.
La fotografía es bonita y la ambientación es un acierto ?los parecidos con las auténticas músicas son asombrosos?, pero eso hace que la directora se recree demasiado en estos logros e incluya escenas que simplemente se aprecian por su belleza formal.
El respeto que pudiesen merecerme las Runaways por lo que significaron para la historia de la música se desvanece con esta revisión de sus inicios, tan carente de fuerza y de interés. Si las había considerado unas heroínas que rompieron esquemas y dejaron claro que el rock no sólo pertenecía a los hombres, ahora las veo ?al menos a Currie porque Jett mantiene una dignidad? como niñas asustadizas que se dejaron llevar por una casposa maniobra de márketing.
‘Trust’ pertenece a ese subgénero que trata sobre uno o varios tipos malos que tienen la desafortunada idea de hacer daño a la hija (o la sobrina o la nieta) de un hombre que se verá obligado a abandonar las buenas maneras para emprender un violento viaje de golpes y balas. Curiosamente, el protagonista de este tipo de historias suele ser alguien que te hace pensar en lo idiota que ha sido el secuestrador, el asesino o el acosador, eligiendo a su víctima, y en lo bien que te lo vas a pasar cuando lo atrape y reciba su merecido.
En esta ocasión, la trama gira en torno a una adolescente que cree haber conocido a un chico encantador gracias al chat de un portal de amistades; sin embargo, cuando queda con él, descubre que en realidad se trataba de un hombre adulto en busca de una presa fácil. El padre en busca de venganza es Clive Owen (motivo suficiente para que un servidor vea la película), que está acompañado por Catherine Keener, Liana Liberato, Noah Emmerich, Viola Davis y Thomas McCarthy, entre otros. Llama mucho la atención que el director sea David Schwimmer, famoso por su papel de Ross Geller en la serie ‘Friends’; hace tres años debutó como director (de cine) con la comedia ‘Corredor de fondo’ (‘Run, Fatboy, Run’).
Todavía no hay fecha de estreno para ‘Trust’, pero se proyectará en el próximo festival de Toronto y con Owen en el reparto es casi seguro que llegará a los cines, más tarde o más temprano. Os dejo con el tráiler, que está bien, no es muy largo y no cuenta demasiado.
PD: ‘La red social’, ‘Catfish’, ‘Trust’... ¿quiénes son tus “amigos” de Internet?
De nuevo, tal y como hacíamos referencia con la llegada del documental protagonizado por Joaquin Phoenix, lo más interesante está llegando a las pantallas de Venecia fuera de competición. Lo cual quiere decir que la apuesta para compensar el exotismo y el cine de autor internacional ha sido una inmejorable elección. Y curiosamente son dos hermanos los que han traído las alegrías. Casey Affleck con el citado documental el otro día y ayer Ben Affleck que presentó su segundo trabajo como director: ‘The Town’.
Es la historia de una banda de ladrones de bancos que no pueden escapar a su delictiva realidad. Buena, entretenida, cine de gángster y, ojo, comparada con ‘Heat’ (e inspirada por ‘Gomorra’, según él mismo confiesa), aunque no llegue a su altura. Buena noticia en cualquier caso. El film, que cuenta con guión adaptado a cargo del propio Ben Affleck, cuenta en el reparto con Jon Hamm, Jeremy Renner y Rebecca Hall y parece que con correctos trabajos. En conclusión, ‘The Town’ ha sido bien valorada, por estar narrada con fluidez.
Y hasta aquí lo más interesante. Porque el resto de títulos que conformaban la sección oficial no han cosechado ningún entusiasmo. Empezando por la griega ‘Attenberg’ de Athina Rachel Tsangari, curiosamente productora de la excelente ‘Canino’, a la que parece seguir el molde. Cuenta la historia de un joven incapaz de entender el amor, el sexo y la muerte, por lo que repite los rituales de cada experiencia para lograr comprenderlas.
El otro título, firmado por Abdellatif Kechiche, es ‘Venus Noire’, que es la historia real de una mujer africana obesa exhibida como un animal por Europa a comienzos del siglo XIX. Una cinta que no ha entusiasmado precisamente, a la parece lastrarle, además, su excesivo metraje y la falta de talento en su narración.
Por último, no podíamos dejar de mencionar, por emotiva, la presencia ovacionada del longevo realizador portugués Manoel de Oliveira, con 101 años a sus espaldas y con nuevo trabajo en la Mostra. Un cortometraje esta vez, pero que de nuevo volvía a demostrar la lucidez del director.
De todas las películas que dirigió John McTiernan sólo su ópera prima, ‘Nómadas’ (‘Nomads’, 1985), contiene un guión escrito por el propio director. De hecho estamos hablando del único guión realizado por el director en toda su filmografía, y conviene aclarar cierto malentendido que he visto en algunas webs con información equivocada. La película no es ninguna adaptación de obra literaria alguna, pero poco después del film la escritora Chelsea Quinn Yarbro adaptó a novela la historia de ‘Nómadas’, lo que ha dado lugar con el paso del tiempo a que algunos piensen que el trabajo de McTiernan es la adaptación cinematográfica de lo escrito por Yarbro.
Resulta curioso que un director tan admirado, al menos por los aficionados al cine de acción, tenga en su haber un film tan arriesgado como ‘Nómadas’ y su repercusión haya sido mínima. Tratándose de una ópera prima es lógico, pero teniendo en cuenta la fama posterior del director gracias a films que han conseguido extraordinarios resultados taquilleros, y cómo no, un respaldo de la crítica, su primer trabajo siga siendo desconocido por muchos que conocen el apellido McTiernan. En cualquier caso nos hallamos ante la peor película de su director. Verla en su momento indicaba muy poco sobre McTiernan, y verla ahora es algo meramente anecdótico.
‘Nómadas’ da comienzo con la extraña muerte en un hospital de Jean Charles Pommier (Pierce Brosnan), un antropólogo que tras vagar por medio mundo había decidido instalarse definitivamente en Los Ángeles con su esposa. La doctora encargada de su caso, Flax (Lesley-Anne Down), empezará a sentir cosas extrañas, rememorando todo lo que Pommier vivió hasta el instante de su muerte. La película está narrada a modo de flashback, alternándose esta línea narrativa con lo que sucede en la actualidad que es más bien poco. La sorpresa y el miedo de la doctora al experimentar algo increíble y su curiosidad, que también es la nuestra, por saber qué le ocurrió al antropólogo, que se convierte en el protagonista absoluto del relato.
Pommier es como Dutch, John McClane, Marko Ramius, Robert Campbell, Jack Slater, Ahmed Ibn Fahdlan o Thomas Crown. Personajes posteriores en el cine de McTiernan que tienen en común el hecho de ser individualistas, normalmente con personalidades muy marcadas y una forma de hacer las cosas, digamos poco habitual. Pommier es el personaje mejor tratado en el film, el más interesante. Su obsesión por unos pandilleros que hacen de las suyas en la ciudad contiene cierto interés; su tratamiento empareja el film con otro de Peter Weir titulado ‘La última ola’ (‘The Last Wave’, 1977). Un hombre enfrentado a algo meramente intrascendente ?pandilleros en el film de McTiernan? que termina alcanzando niveles de trascendencia muy importantes para Pommier y la gente cercana a él.
Una de las primeras interpretaciones vertidas en el film, la de una pandilla que vive como si fueran nómadas, de espaldas a la sociedad, prácticamente invisibles al resto de la humanidad, resulta de lo más interesante. Pero luego camina por los derroteros del fantástico, mezclando géneros y tonos, y la cosa va perdiendo fuelle peligrosamente hasta una conclusión poco menos que incomprensible y hasta absurda. Mientras unos pueden sentirse impresionados por un final sacado de la manga, aquí el firmante se siente algo así como engañado. Sí, es inesperado, y la música de Bill Conti funciona ahí mejor que en ningún otro momento del film, pero suena todo a que McTiernan se hizo un lío y no supo como terminar su historia.
Abiertamente ochentera, con todo lo bueno y malo que eso tiene. Por un lado está ese look visual muy típico en esos años en los que la factura videoclipera era lo más habitual. McTiernan toma ciertos riesgos, sobre todo de tono, pero no es capaz de mantener el equilibrio, quizá porque pretende abarcar demasiado. Ya no me paro en el cambio de cámara subjetiva ?para hacernos entender que la doctora vive las experiencias pasadas de Pommier? a narrar los hechos de forma objetiva, porque es un mal muy común en aquellos años. A día de hoy queda un poco desfasado, sobre todo por el hecho de que McTiernan lo hace a libre albedrío. Eso sí, ya se vislumbra cierto gusto por la planificación, algo que perfeccionaría en futuros proyectos. De ellos hablaremos largo y tendido en las siguientes entregas del especial.
De ‘Inception’ (‘Origen’) a ‘Journey 2: The Mysterious Island’; el gran Michael Caine no conoce el término medio. Algunos todavía recordaréis (porque el cerebro suele borrar estas cosas para poder seguir viviendo) que en 2008 se estrenó una película de aventuras en 3D, con esa etiqueta de “para toda la familia”, titulada ‘Viaje al centro de la Tierra’ (‘Journey to the Center of the Earth’), con Brendan Fraser y Anita Briem al frente del reparto. Bueno, pues recaudó más de 240 millones de dólares en todo el mundo, así que ya se está preparando la secuela.
Esta segunda parte, que llevará ese título de ‘Journey 2: The Mysterious Island’, estará protagonizada por Dwayne Johnson (alias La Roca), que dará vida al nuevo novio de la madre de Sean Anderson (Josh Hutcherson), el único personaje que repite en esta entrega. La trama de la película girará en torno a otro viaje fantástico para encontrar a otro familiar perdido; esta vez la misión es encontrar al abuelo de los Anderson (Caine), que antes de desaparecer había descubierto una extraordinaria isla que no aparecía en ningún mapa. El rodaje comenzará en las próximas semanas bajo la dirección de Brad Peyton, y el estreno está previsto para el verano de 2011.
PD: Al parecer, en una de las escenas en las que interviene Caine, los protagonistas son perseguidos por agresivas abejas gigantes. Sí, deben pagar bastante bien.
Además de protagonizar otra de las proyecciones venecianas, ‘Essential Killing’, de Jerzy Skolimoswki, Vincent Gallo presentó ayer a concurso ‘Promises Written In Water’ («promesas en papel mojado»), que ha dirigido tras siete años alejado de la silla de tijera. Pero no sólo dirige: el montaje, el guión, la producción y hasta la música son del propio Gallo. Los 70 minutos de duración lo muestran prácticamente sólo a él. Es decir: se trata de un ejercicio de egolatría, del cacareo de un Gallo que suspendió las ruedas de prensa y no incluyó material ni sinopsis en los catálogos para mantener la imagen de excentricidad que, tras la fugaz aparición de Phoenix, parece que se está convirtiendo en la tónica de esta 67ª Muestra de Venecia.
Gallo trata de mostrar en ‘Promises Written In Water’ temas profundos como la despedida, la muerte, la tristeza, el amor y las relaciones. Sin embargo, se comenta que fracasa en todas sus ambiciones, ya que las imágenes en blanco y negro y los escasos diálogos, en vez de parecer un ambicioso cine artístico, parecen impostadas y pretenciosas. Y no queda claro qué quiere mostrar exactamente con su película. Por lo tanto, el film fue recibido con algunas risas e incluso abucheos durante su primera proyección en el Festival de Cine de Venecia. Su anterior película, ‘The Brown Bunny’ ?a la cual pertenece la imagen precedente?, fue calificada como «la peor película jamás seleccionada a concurso» en Cannes 2003, donde recibió más abucheos que la actual.
Cine italiano en Venecia
Paz Vega estuvo en la Mostra, donde parecía más interesada en lucir vestido y demostrar que la maternidad no le había estropeado la figura que en presentar ‘Vallanzasca’, de Michele Placido, donde Kim Rossi Stuart es el protagonista y Vega sólo tiene un breve papel. Esta película, que recrea la vida del criminal más odiado de la reciente historia italiana, Renato Vallanzasca, ha estado acompañada de polémica y ha sido acusada de hacer apología de la violencia, porque muestra al asesino como alguien guay. Nada que no hayan hecho ya los films sobre mafia más célebres de la historia. La diferencia es que los familiares de las víctimas, en este caso, lo tienen todo más cercano. Pero ya se sabe que la publicidad negativa sigue siendo publicidad o que es positivo que hablen de uno, aunque sea mal, así que puedo imaginar que la polémica contribuirá con la notoriedad de la cinta.
‘Noi credevamo’ («creíamos»), de Mario Martone, se dice que tenía una duración insoportable y se sospecha que estuviese en el Festival sólo por ser de la nacionalidad de la casa. Pocos llegaron al final de los 204 minutos centrados en la unificación de Italia, de la que se cumplen 150 años en 2011, y basados en la novela de Anna Banti. El director describe a Italia como un país «obtuso, soberbio y asesino». ¿Y en este caso no hay prohibición de Berlusconi?
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